Apakah ada panduan tertulis atau aturan praktis untuk mengatur saturasi warna, kejernihan, getaran, dll dalam pasca-pemrosesan (atau secara umum)?

Ini bukan pertanyaan "bagaimana saya mendapatkan gambar agar terlihat seperti begini-begitu-tautan-dimasukkan- di sini di LR". Ada kejenuhan (tidak ada permainan kata-kata) dari pertanyaan-pertanyaan ini di sini. Menarik, tetapi tidak cukup umum.

Yang sebenarnya saya tanyakan adalah , bagaimana orang membuat keputusan pasca proses untuk melakukan hal-hal seperti meningkatkan warna kulit, atau bahkan meningkatkan warna dan pencahayaan gambar apa pun?

Saya biasanya mengayunkannya, saya menyentuh tuas di Lightroom (biasanya pencahayaan dan kontras dan keseimbangan putih, dan kadang-kadang saturasi) sampai semuanya terlihat benar. Saya pribadi mengincar realisme, bukan sesuatu yang ganas pasca-pemrosesan (membuat saya malas ketika saya memotret sebaliknya). Selain itu, saya memotret RAW sehingga 'gaya gambar' di kamera tidak berlaku.

Tetapi itu tidak terasa konsisten; Sebaliknya (juga tidak ada pelesetan yang dimaksudkan), jika Anda melihat aturan praktis untuk membingkai foto, teknik pencahayaan, dan banyak lagi, Anda dapat menemukan panduan itu di mana-mana, dan terutama di StackExchange. Anda bisa konsisten lebih cepat saat mempelajari hal-hal itu. Tetapi teknik pasca-proses tampaknya lebih acak bagi saya.

Sangat tertarik mendengar tentang apa yang dipikirkan / dilakukan oleh profesional di sini. Itu tidak bisa sepenuhnya subyektif dan seni hitam (biarkan saya sesuaikan ini dan lihat apa yang terjadi) ... atau apakah itu ...?

Sebagian besar keputusan adalah keputusan artistik, dan bergantung pada gaya dan visi pribadi Anda, dan sampai batas tertentu genre fotografi, apakah itu lanskap atau potret, komersial atau non-komersial.

Sebelum Anda mulai, Anda harus memiliki gambaran tentang bagaimana rupa gambar yang Anda inginkan. Kunci tinggi atau kunci rendah? Tajam dan kontras, atau ringan dan halus? Setiap gambar berbeda, jadi tidak ada aturan yang berlaku untuk setiap gambar. Tetapi saya akan mencoba memberikan beberapa pedoman umum.

Menggunakan Lightroom atau Camera Raw, saya bekerja melalui bilah geser dari atas ke bawah.

Keseimbangan Putih

Saya akan mengatakan dalam kebanyakan kasus ini adalah keputusan artistik. Ya, Anda dapat menggunakan alat penetes white balance untuk memperkirakan white balance "benar", tetapi itu sering menghisap kehangatan dari gambar yang bagus. Saya sering menggunakan alat white balance untuk memeriksa bagaimana hal itu mempengaruhi gambar, dan untuk menjaga diri saya jujur ​​sehingga saya tidak melakukan pemanasan yang berlebihan, tetapi sebagian besar saya meningkatkan kehangatan sampai saya berlebihan, lalu mendukungnya sedikit.

Kontras

Saya tidak pernah menyentuh kontras dalam tahap Konversi Mentah. Saya menggunakan Photoshop dan lebih suka menerapkan lapisan penyesuaian kurva yang saya bisa menutupi / menyikat di mana diperlukan. Jika saya akan memproses hanya melalui Lightroom, saya mungkin akan melewatkan slider Kontras dan kembali ke sana setelah melakukan penyesuaian terkait paparan lainnya.

Paparan, Sorotan, Bayangan, Hitam, Putih

Untuk sebagian besar gambar, saya ingin berbagai nada dari hitam ke putih. Yaitu, untuk sebagian besar gambar saya ingin histogram memanjang dari kiri ke kanan. Dengan asumsi saya mencoba untuk mencapai gambar seperti itu, pemikiran saya akan menjadi seperti ini:

Apakah eksposur keseluruhan kurang lebih benar?

Jika gambar terlalu gelap, saya akan meningkatkan eksposur. Terlalu ringan, akan menguranginya. Jelas bukan untuk mencapai histogram yang tampak bagus, tetapi gambar yang tampak bagus. Sebagai contoh, gambar yang sangat bagus mungkin berada di sebelah kanan. Saya memang mencoba memaku paparan di kamera, tetapi ada kalanya Anda tidak bisa, atau Anda sengaja mengekspos ke kanan . Juga jika ada sesuatu yang terpotong di kedua ujungnya saya dapat menyesuaikan paparan keseluruhan. Biasanya saya tidak perlu menyentuh slider Exposure.

Selanjutnya, bagaimana titik akhir histogram saya?

Jika salah satu kulit hitam atau putih masih terpotong setelah menyesuaikan paparan, atau lebih umum jika mereka tidak meluas ke tepi histogram (artinya saya tidak memiliki kulit hitam atau putih murni), maka saya akan menggunakan slider Blacks / Whites untuk memperpanjang histogram sampai saya memiliki kisaran nada penuh. Jelas ini agak keputusan artistik, tetapi untuk gambar-gambar di mana Anda ingin rentang nada penuh, ini saya pikir cara terbaik untuk mencapainya.

Bagaimana sorotan dan bayangan terlihat?

Saya menggunakan slider Highlight and Shadows dengan hemat untuk mengatur area terang dan gelap. Ini tidak diperlukan sama sekali pada sebagian besar gambar. Saya akan meningkatkan slider Shadows misalnya pada gambar dengan cahaya latar untuk meringankan subjek, dan saya mungkin mengurangi slider highlight jika saya memiliki bentangan awan putih yang besar dan ingin sedikit membedakannya.

Kejelasan

Kejernihan yang meningkat dapat memberikan kesan kontras dan detail yang lebih baik. Menurunkan kejernihan dapat memberikan tampilan melamun yang bagus, terutama untuk air atau awan. Saya pikir ini adalah pilihan yang murni dan artistik. Saya biasanya tidak melakukan penyesuaian kejelasan dalam konverter RAW, dan biarkan ini sampai nanti, di Photoshop, di mana saya dapat menggunakan penajaman, penyesuaian kurva lokal, atau filter efek seperti Topaz Detail / Adjust untuk mencapai efek serupa secara lokal.

Saturasi / Getaran

Saya jarang menggunakan saturasi atau getaran di Camera Raw. Jika warna dalam gambar terlihat datar, saya dapat meningkatkan getaran, tetapi biasanya saya akan melakukannya untuk area selektif, atau untuk warna selektif, nanti di Photoshop. Pilihan artistik lainnya - lakukan apa yang terasa benar. Berhati-hatilah untuk tidak memotong saluran apa pun. Getaran adalah pilihan yang sedikit lebih aman .

Tidak, sebenarnya tidak ada aturan seperti itu. Di sinilah memiliki mata untuk hal-hal ini masuk, baik melalui kemampuan alami atau melalui latihan (atau keduanya). Itu subyektif , tetapi tidak sewenang - wenang , dan itu seni tetapi bukan seni hitam .

Akhirnya, Anda akan mengembangkan gaya pribadi untuk apa yang terasa benar bagi Anda. Banyak fotografer mengembangkan tampilan pribadi yang sangat khas. Anda menyebutkan "pro", dan perlu luangkan waktu sejenak untuk memikirkannya, karena di sana, rasa klien Anda yang paling penting. Jika Anda memotret potret kota kecil, tampilan langsung dengan sedikit "pop" mungkin merupakan tujuan yang ingin Anda tuju. Beberapa tahun yang lalu, kakek-nenek saya mengambil potret mereka, dan sementara fotografer bersikeras bahwa tampilan fokus lembut adalah pilihan artistik, kakek-nenek saya kesal - itu bukan selera mereka sama sekali. Tetapi jika Anda seorang fotografer pernikahan, tampilan "melamun" mungkin tidak akan salah. Atau, jika Anda malah menargetkan penjualan "seni" pasar massal, Dilihat dari apa yang saya lihat di galeri di Vegas, Anda mungkin ingin meningkatkan saturasi sampai mata Anda berdarah dan memetakan nada sampai lingkaran cahaya mencekik seluruh adegan. Jika Anda mencari representasi galeri, itu akan membantu untuk mengetahui tren saat ini dalam seni rupa (bahkan jika, semoga, karya Anda sendiri mendorong amplop itu). Tetapi jika Anda ingin jenis seni yang lebih tahan lama, atau bekerja untuk kepuasan pribadi Anda sendiri, Anda harus menjadi audiens Anda sendiri.

Saya pikir "aturan" adalah umum untuk komposisi karena kamera tidak dapat melakukannya secara otomatis untuk Anda. Kamera dapat menyeimbangkan eksposur diterima, tetapi tidak dapat memilih tempat untuk memusatkan subjek Anda . Aturan-aturan komposisi itu biasanya meragukan , tetapi mereka memberikan kerangka kerja dasar dan titik awal yang nyaman ketika Anda tidak tahu apa yang Anda inginkan.

Jika Anda tidak tahu tampilan apa yang Anda pilih dalam gaya visual , Anda bisa memilih preset, baik "gaya gambar" di kamera Anda atau pengaturan yang telah dikemas dalam konverter RAW Anda. Pada hari-hari awal fotografi film hitam putih, itu tidak terjadi, dan Anda dapat menemukan banyak kebijaksanaan yang terkumpul (dan, seperti biasa, klaim preskriptif yang lebih meragukan) dari era itu. Ketika film warna yang kurang fleksibel mulai digunakan, pendekatan itu mengambil luka serius, dan sementara digital mengembalikan fleksibilitas, itu juga membawa "penampilan" yang sudah dikemas sebelumnya, sehingga tidak mungkin pasien akan membuat pemulihan penuh.

Yang mengatakan, saya bisa memikirkan satu pedoman saat bekerja menuju gaya itu: semuanya dalam jumlah sedang. Ini sering dinyatakan sebagai sesuatu seperti: Setelah Anda mendapatkan efek khusus yang Anda suka, putar kembali ke setengah kekuatan itu dan pergi dengan itu. Tapi, seperti aturan komposisi itu, ini adalah garis konservatif, dan konservatif jarang merupakan nilai yang dirayakan dalam seni. Jadi, Anda mungkin mencoba yang sebaliknya: Berani . Tentu, dalam beberapa tahun Anda mungkin melihat kembali pekerjaan Anda dengan sedikit malu, tetapi setidaknya Anda tidak akan dituduh pemalu.

Ini membantu untuk disengaja. Di sini, fleksibilitas tanpa batas adalah musuh Anda. Ini memungkinkan Anda melakukan apa pun yang Anda inginkan, dan itu bisa membuatnya sulit untuk menyesuaikan diri dengan alur pribadi Anda. Jadi, inilah satu pendekatan untuk mencoba .... Letakkan kamera digital dan ambil badan film yang lama. Pentax K1000, Nikon F, mungkin pengintai Canonet. Ambil beberapa gulungan Kodak Portra 400, Fujicolor 160NS, dan Ilford Delta 1600. Atau, paling tidak letakkan konverter RAW dan pilih beberapa gaya gambar itu - banyak R&D yang dimasukkan ke dalamnya, jadi sebenarnya cukup bagus . Jika kamera Anda memungkinkan Anda (semoga saja) menyesuaikannya dengan preferensi pribadi Anda (tingkatkan kontrasnya, katakanlah), tetapi begitu Anda membuat beberapa penyesuaian, biarkan seperti itu untuk sementara waktu. Anda bahkan mungkin ingin mencabut "filter seni", um, jika kamera Anda melakukan itu. Secara efektif,aturan praktis yang Anda cari, dibuat terprogram.

Menghabiskan pemotretan satu minggu secara sengaja dengan aturan pertiga tidak akan membuat Anda secara otomatis menjadi fotografer yang lebih baik, tetapi ini masih merupakan latihan yang baik, karena jika Anda melakukan itu dan dengan cermat meninjau hasilnya (mengevaluasi bukan hanya penerapan aturan tersebut tetapi efek keseluruhannya) ), Anda akan lebih tahu apa yang ingin Anda lakukan, dan mengapa . Demikian juga, rekam beberapa rol film dari jenis yang berbeda, atau pilih satu set preset dan tempel dengan itu sebentar. (Jika ini terlalu menyakitkan, Anda selalu bisa pergi dengan RAW + JPEG sehingga Anda memiliki "keluar" jika Anda mendapatkan kesempatan sekali dalam seumur hidup yang benar-benar, benar-benar tidak seharusnya diterapkan oleh pemain hijau.) melakukan latihan itu, Anda mungkin tidak ingin terus bekerja seperti itu selamanya, tetapi saya pikir itu akan membantu Anda mengetahui bagaimana Anda melakukannya ingin gambar Anda terlihat.

Yang lebih penting dari cara Anda menilai warna adalah bahwa Anda memiliki konsistensi dalam penilaian warna dalam suatu seri. Secara umum, Anda ingin memastikan serangkaian foto mengalir dengan baik, meskipun ada kalanya Anda ingin mereka juga sangat berbeda.

Seperti yang telah disebutkan orang lain, tidak ada aturan di sini selain estetika umum. Anda memiliki mata untuk itu atau tidak. Gunakan indra dan warna artistik Anda sesuai. Jika Anda mencoba untuk mengembangkan keterampilan Anda, habiskan waktu untuk melihat pekerjaan yang Anda sukai dan melihat bagaimana mereka seimbang, kemudian cobalah untuk meniru itu.

Setelah beberapa saat, Anda akan mendapatkan mata untuk mengidentifikasi bagian mana dari sebuah gambar yang rusak dari tempat yang Anda inginkan dan itu menjadi masalah sederhana untuk menyesuaikan sesuai keinginan Anda untuk mencapai tampilan yang Anda inginkan.

Juga, jangan takut untuk melakukannya sendiri. Cara orang menilai warna mungkin lebih memberi tahu siapa fotografernya daripada aspek fotografi lainnya. Orang pasti mengembangkan tampilan yang mereka sukai dan jika mereka pandai menilai warna, banyak foto mereka akan memiliki tampilan umum yang serupa. Itu harus sedikit berbeda dari satu pemotretan ke yang lain karena subjek berbeda dan dengan demikian estetika mungkin memerlukan sedikit perbedaan dalam gaya, tetapi biasanya ada hal-hal yang membuatnya dikenali.

Saya pribadi cenderung sedikit kontras, mencari titik hitam yang kaya, detail tapi bayangan yang cukup kuat, menyoroti sesaat sebelum memuncak dan keseluruhan gambar jenuh (tapi tidak terlalu jenuh) dan sangat berwarna. Kadang-kadang saya akan memberikan sedikit detail untuk menyoroti yang berlebihan, tetapi saya biasanya mencoba menghindarinya untuk sebagian besar.

Beberapa orang lebih suka gelap, beberapa lebih terang, beberapa tingkat kontras nyata, beberapa tampilan yang lebih pudar dan lapuk. Pada sisi artistik yang ekstrim, beberapa bahkan mengambil untuk mendistorsi warna ke titik tidak dapat dikenali dengan adegan aslinya. Anda sepenuhnya, artis, untuk memutuskan apa yang Anda suka.

Sebenarnya tidak ada pedoman. Anda perlu mempelajari posisi, pemangkasan, komposisi. Gerakan seni memiliki pedoman yang tidak begitu ketat tentang pengencangan dan pendekatan. Untuk fotografi, Anda dapat melihat dan mencari penerbang atau pelopor gaya yang ingin Anda latih. dari awal hingga hari ini. Sebagai contoh dari Richard Avedon ke Patrick Demarchelier untuk fotografi fesyen. Dan sebagai saran dari fotografer pro -sendiri: D- selalu ada hitam dan putih di foto Anda jika Anda tidak mendekati untuk produk posting offcontrast.